José Noguero
Serie: Kokyu
Espacio La 2 – Mayo, 2025
Las pinturas de José Noguero se enredan fértiles con las palabras de Delfín Rodríguez: «los paisajes pintados o pensados, pueden, deben y suelen ser tan confusos como las estaciones o las sombras, sin límites precisos, siempre fragmentos de una totalidad infinita, de un cielo sin riberas. De una totalidad, situada en el extremo del silencio«.
Cuando no pinta, Noguero regresa a la lectura de la filosofía hindú Maya que desde hace años le ilumina en el salto sobre el abismo de la creación pictórica, en el brinco que, de algún modo, suaviza la encrucijada amenazante de la destrucción presente siempre, desde el origen, en toda creación. Maya, que puede traducirse como ilusión, espejismo o irrealidad, es la energía divina de la que emana el mundo según las upanisad, textos sagrados o doctrinas secretas hindúes, que sostienen la permanencia de ciertos vínculos ocultos entre los distintos elementos de lo existente, de ahí que, como ha escrito Juan Arnau, se trate de un arte del descubrimiento de las afinidades que componen la urdimbre del mundo. Profundizar en tales afinidades es el propósito que guía la pintura de Noguero cuyo tema, ya lo hemos dicho, es la pintura misma, lo único real.
A la pintura y la lectura se une la práctica de la respiración Kokyu-ho, que permite a Noguero encontrar en lo más profundo de su ser las imágenes que dan forma a lo sin-forma: figuras del pintor y del pintar, al decir de Delfín Rodríguez; representaciones que suceden en el interior de la pintura, más allá de que el motivo externo sea o no real.
Enrique Radigales
Desequilibrio
Espacio La 2 – Abril, 2025
Para abordar el tema del creciente desequilibrio entre tecnología naturaleza, Enrique Radigales se sirvió del injerto, un método de propagación vegetativa según el cual una porción de tejido procedente de una planta se une sobre otra ya asentada, siempre y cuando exista afinidad entre las partes. No hay reglas que determinen las relaciones de afinidad o antipatía, sólo sirve la experiencia, y la experiencia constata la antipatía existente entre tecnología y naturaleza. De tal modo que Radigales quiso convertir el experimento botánico del injerto en una acción decrecionista favorable a la reducción controlada de la producción económica que permita establecer una nueva relación de equilibrio con la naturaleza; y al tiempo, señala, abrir un debate sobre el uso de las nuevas tecnologías desde el paraguas del equilibrio natural.
Rosa Gimeno y Sarah Shackleton
Videoarte: Volando
Espacio La 2 – Marzo, 2025
Del poema “Stings” de Sylvia Plath nació el videoarte Volando, fruto de la colaboración de Rosa Gimeno y Sarah Shackleton. El legado de Sylvia Plath está profundamente adherido a la obra de Sarah Shackleton que, de la mano de Rosa Gimeno, se convierte en material propicio para reflexionar sobre la necesaria y urgente conexión del ser humano con la naturaleza. El vuelo imaginario de las abejas permite sortear el dolor de la picadura, siempre amenazante.
Iñaki Bergera
Serie: Empty Parking Spaces
Espacio La 2 – Febrero, 2025
En 2012, durante sus viajes por el sur y el oeste de Estados Unidos, Iñaki Bergera realizó diferentes series fotográficas, organizadas temáticamente y de forma seriada, sobre la nueva topografía visual americana desde una perspectiva visual que enlaza con la obra de Ed Ruscha, Bernd y Hilla Becher o Robert Frank. Son fotografías que, en apariencia, carecen de interés, más allá de su rotundidad formal; y, sin embargo, se trata de imágenes que contienen información suficiente para convertirse en el retrato certero de un país a nivel político, económico y social.
Empty Parkings Spaces reúne una extensa secuencia de dípticos fotográficos, organizada de tal modo que el orden, la medida y el patrón que organizan esos espacios son los que rigen la composición general. Se trata de aparcamientos vacíos configurados con dos planos vertical y horizontal en ángulo diedro y, a partir de ahí, el espacio se define y estructura. El muro vertical o pared, con sus huecos, colores, texturas, señales… Y el plano horizontal, armonizado por las líneas que acogen los espacios de aparcamiento.
Almalé y Bondía
Serie: Objetos-mundo
Espacio La 2 – Enero, 2025
La profundidad sólo nace en el momento en que el espectáculo mismo vuelve lentamente su sombra hacia el ser humano y comienza a mirarle. Así concluyó Barthes su artículo “Le monde-objet” (1953) dedicado a las naturalezas muertas holandesas. Fue en los Países Bajos donde a mediados del siglo XVII se utilizó el término still-level, vida inmóvil, para hacer referencia a las pinturas que un siglo más tarde se llamaron naturalezas muertas. En su aparente humildad Barthes observó la querencia de los pintores holandeses por el brillo, la cualidad más superficial de la materia: pocos materiales, leemos, había en Ámsterdam ajenos al imperio de las mercancías, lo que determinó la pérdida de la esencia y el refugio en los atributos. En una época como la actual en la que los consumidores son producidos constantemente, al decir de Bauman, la vigencia del género del bodegón está ligada al estímulo que ofrece para abordar nuevas formas discursivas. De acuerdo con Mieke Bal, las cosas poseen una visualidad particular que apela a los componentes sociales que interactúan con ellas; lo que explica que Almalé y Bondía dieran entrada en su proyecto Residuos a una secuencia fotográfica de pequeñas naturalezas muertas, realizadas con objetos recogidos en la basura que disponen con calma y cuidada precisión en una superficie indeterminada, cerca del lugar donde los encontraron, en un fondo negro, formando montones, apilándolos o colocándolos unos junto a otros, en composiciones atentas a los ritmos y torsiones envolventes.
Louisa Holecz
Serie: Livres
Espacio La 2 – Diciembre, 2024
En 2019 La Casa Amarilla organizó la exposición colectiva Viaje al manicomio con el propósito de recuperar los nombres y las voces de algunas de las mujeres creadoras que, por ser consideradas locas, fueron silenciadas o expulsadas del cuerpo social y político establecido. Louisa Holecz, artista invitada a participar en el proyecto, pintó Clotho en alusión a la escultura de Camille Claudel y al jardín del manicomio de Montdevergues donde murió tras un encierro de treinta años, sola y aislada del mundo. Clotho fue el cuadro con el que Louisa Holecz se inició en el estudio del legado de Camille Claudel.
La secuencia de pinturas sobre lienzo y papel, se acompañó en una primera etapa de la serie Livres, que ahora recuperamos. Se trata de ejemplares, la mayoría primeras ediciones, que fueron publicados en tiempos de Camille Claudel, algunos de ellos escritos por autores con quienes mantuvo relación. El propósito de Louisa Holecz es dar testimonio de los vínculos de Camille Claudel con el círculo literario contemporáneo de los simbolistas franceses, conocido como “los Mardis”, en alusión a las tertulias semanales que organizaba el poeta Stéphane Mallarmé.
Charo Pradas
Fijar vértigos
Espacio La 2 – Noviembre, 2024
En 2001 Charo Pradas realizó una serie de esculturas, afines a sus investigaciones pictóricas, con madejas de lana de diferentes colores en cuyo interior se alojan pequeños objetos circulares -canicas, piedras, cerámicas…- depositarios del vértigo cósmico donde es posible asistir al lado oculto de las cosas. La valoración del espacio enérgico, dinámico, aéreo y pulsante, que decía Fernando Huici a propósito de la obra de Charo Pradas, generador de resonancias y ecos hipnóticos, de insólitos engranajes afuncionales en permanente tensión, como observó Enrique Juncosa, es uno de los rasgos que definen la obra de la artista. Junto a las pinturas y dibujos, las esculturas, menos conocidas y casi secretas, y, quizás por ello, reveladoras del impulso que motiva su inquietud por explorar en las profundidades.
Javier Aquilué. Intemperie
7 septiembre – 1 diciembre, 2024
A cielo descubierto y en paisajes al margen sitúa Javier Aquilué la singular galería de personajes que coinciden en este relato escenificado donde la realidad y la ficción se enredan, con el ánimo, quizás, de enfocar las sombras que proyectan los cuerpos, por ser delatoras del origen de la imagen representada. Pues, no en vano, lo que está en juego es la supervivencia de las imágenes, asunto prioritario de la reflexión teórica y pictórica que, desde hace años, le ocupa. Atento a la situación frágil y coyuntural del sistema que modela el arte actual, incapacitado para superar las convenciones históricas que lo limitan, Aquilué decidió tomar posición con el “Ojo Vago”, teoría del arte asentada en el valor productivo de lo disfuncional en la que lo precario y lo inestable son algunos de los valores protagonistas, presentes también en su pintura de evidente conciencia social, ética y política; histórica, en definitiva.
No pudimos ser amables
27 abril – 31 julio, 2024
¿Es posible volver a Bertolt Brecht sin sentir que nos quema el suelo, que la casa está en llamas?, se pregunta José Luis Gómez Toré, editor de su antología poética en Galaxia Gutenberg, cuyo título No pudimos ser amables es el de un verso del poema “A los que habrán de nacer”, escrito en los primeros años del exilio (1933-1938). Coincidimos en que la propuesta estética de Bertolt Brecht continúa interpelándonos y que, del mismo modo que su escritura nos enseñó a leer históricamente, es preciso, y hasta urgente, permanecer alerta en un tiempo sombrío. Con este propósito nace el presente proyecto expositivo que es una toma de posición y la expresión de una imposibilidad: la de ser amables, refrendada y auspiciada por las obras de artistas que, a lo largo de sus trayectorias, han decidido mostrar con extrema lucidez aquello que permanece en la sombra y la fragilidad de un orden que se desmorona.
Josep Tornero. The Beautiful and the Damned
24 febrero – 20 abril, 2024
La residencia artística en la Academia de España en Roma durante el curso 2015-2016 resultó fundamental en la obra de Josep Tornero, cuyo desarrollo procesual atiende, desde entonces, a evidenciar, sin desvelarlo, aquello que permanece oculto o reprimido, a través de un complejo sistema de relaciones cuyo propósito es el de establecer correspondencias entre imágenes pertenecientes a tiempos distantes. Tarea ciertamente complicada, y siempre al borde del desastre. Pensar el desastre, escribió Maurice Blanchot, es no tener ya porvenir para pensarlo. En noviembre de 1918 sitúa Aby Warburg la aparición de su enfermedad mental que consistía, según escribió durante su estancia en la clínica psiquiátrica Bellevue, el 16 de julio de 1921, en perder “la capacidad de conectar las cosas en sus simples relaciones causales, lo que se refleja tanto en lo espiritual como en las cosas concretas”. José Francisco Yvars considera que el hilo vertebrador del proyecto de Warburg fue cognitivo: ¿qué leer?, y psicológico: ¿cómo leer? En ese hilo, sustentado en la abrumadora documentación recogida por Warburg para su archivo visual, quizás resida el desconcierto del filósofo Ernst Cassirer cuando visitó en Londres la Biblioteca Warburg, acompañado por su director Fritz Saxl: “Esta biblioteca es peligrosa… Debo evitarla de raíz o encerrarme aquí para siempre”.